陷入久了，“艺术”愈真切，愈清晰，愈好玩。
　　　　　　
　　欣赏一个作品对我的最大难度挑战，无非就同从小玩惯了的语文智力游戏一样，从有序无序的视觉思维中寻找有序，努力形而上地挖掘出或虚幻或沉重的中心思想（concept），有信手拈来，有歪打正着，有逻辑地判断，也牵强痛苦地分析猜测，也有时候严重错位。
　　而关于创作一个艺术作品的教诲，则不外乎“不按常规出牌，打上自己独特的烙印”，即使是copie，即使是完全同一个题材，也要带着自己独特的呼吸，找出一个角度用自己的方式诠释，当然作品中最好带着对现实的怀疑、思考和批判。
　　　　　　
　　顺理成章地，Concept（理念、观念、概念）的解释里应该添加上“艺术”。从当初，用艺术的途径宣传宗教，借以表达一种极其准确恒定的宗教观念，到而今只极其纯粹地为个人观念存在的现代艺术。——艺术看起来从来都是一种对观念的刻意追逐。
　　　　　　
　　也许，不久以后，在这个概念时代的某一天清晨，醒来，却发现所有的艺术展都已经更名成“概念艺术展”或者“观念展”，而所有的现代美术馆都突然在一夜之间更名成了“现代‘概念’中心”。
　　　　　　
　　小时候每写作文，我便杞人忧天：这样写，总有一天世界上的所有好词好句都会被用完，而所有的故事都会被写尽的；
　　后来，自然老师说未来的某一日，全世界的石油会枯竭耗尽，因为石油是不可再生资源；
　　而今，面对艺术家们上足了马力一刻未停的思维发条，我一边受益于形形式式的“观念”和“创意”，目不暇接地拓展着眼界、思维，兴致盎然。一边却开始惦记着是不是某一日“概念”也会行将发展到一个极其疲倦困乏的极致？
　　那样之后，人们是大同小异、周而复始地开始又一轮“文艺复兴”，还是奔向另一片陌生遥远。
　　那个时候，“concept”还等于“艺术”么？　　　　　
　　　　　　
　　贴些Fiac2006的照片，然后慢慢讨论

      这几天看了Sial也看了Fiac，
　　两个性质类似的国际性展览，
　　一个关于食品，一个关于艺术。：）
　　
　　Sial是食品商的交易天堂，可我是绝缘体，来这里只是最自然不过地用味蕾尝试接触各式各样的食品；
　　Fiac则是我见过的最精彩的艺术展，是视觉和思维触觉的回味无穷。：）
　　
　　先贴些Sial的图片：　

      美国行为艺术家Skip Arnold, 穿着旧旧的满是时间磨痕的皮夹克走在前面，可惜他只说英文，而我只会说法语，凡是他跟我说话，我都用法语回答，也不知道他是否听明白：（，不过我表态好好去学英文了。：）
　　这是和Skip Arnold和他的Cergy美术学院的学生们一起在三区看的奥地利著名艺术家Erwin WURM的雕塑展。　 

2006年6月16日至2007年2月18日
法国巴黎罗丹美术馆“After Olympia, Anthony Caro”

　　
文/澹如
　　
　　英国雕塑家安东尼•卡罗（Anthony Caro）的作品After Olympia，在巴黎罗丹美术馆展出。
　　他是一个让雕塑失去其稳固性的艺术家。代代相传的传统雕塑敦厚结实的底座消失了，而事实上是，Anthony Caro重新发明定义了“基座”，他总是围绕着一块被他称之为“台子（"table"）”的限度范围工作。在此基底上或者是随着这样一个水平面，他用螺栓固定、用电气焊接把一些既没有底面也没有基座的钢材、铁板等材料部件，原本地直接地并排安置在其上，通常最后还上色，让色彩对雕塑进行一体化和刻意制造一种与观者的距离。Anthony在这一个“台子”载体的水平面与垂直面上，或整体或局部把玩着材质的原初状态和特质语汇，雕塑空间的画意构造性是他关注的唯一重点。
　　
　　Anthony Caro生于 1924年，以他纯粹的抽象视觉造型雕塑，自上个世纪60年代起，被尊为现代抽象雕塑大师之一。在他的概念中，雕塑可以是任何形式的，他彻底抛弃了雕塑的传统塑造和铸铜方式，所以每一件雕塑作品都是唯一的孤品。他用自己发展拓宽的雕塑语言来纯粹地进行抽象创作，致力于通过摆放在现实空间里的三维雕塑，来实现二维抽象绘画中探讨的那种形象和画面节奏关系的平衡。
　　
　　Anthony总是不断地从各种文化中汲取灵感，这个像建筑物一般的抽象雕塑作品After Olympia是他在1985年的一次希腊旅行之后创作的，这个建筑性雕塑整体体积巨大，与外部空间构成极为开放的对话机制。雕塑外形基本呈三角型，这简单的构成形式正是从奥林匹亚的古建筑宙斯庙入口处上边横置的三角门楣获得的启示。放开所有过去刻板的印象与成见，以全然的新鲜感去面对与感受，雕塑原来还可以这样与建筑结合，而古典艺术的样式也可以如此发散性地与现代雕塑技法巧妙融合。
 

 辛迪•雪曼（Cindy Sherman）:“她”？
文/澹如

     一块影像的空间，而“她”就是其中发生的所有。
　　
　　以自拍而知名的20世纪影像艺术中极有影响的美国艺术家辛迪•雪曼（Cindy Sherman）的欧洲“回顾展”日前正在巴黎法国国立网球场美术馆（Jeu de Paume）展出，这是Cindy Sherman首次在欧洲举办的一个重大巡回个展，我们除了可以一次完整地回顾辛迪三十年来的创作脉络之外，更可以亲眼目睹许多借自私人典藏家，难得一见的摄影作品。集中展出的十几个系列的250多幅摄影作品一无例外，显影的只有她，都是“她”，她是隐藏在她自己的镜头后的主角。
　　
　　

第一届法国当代艺术三年展《艺术的力量》（"La Force de l'art" ）
“展览的展览”——一场失焦的视觉盛宴
文/澹如
　　　　
　　5月9日，由国立博物馆联合会和法国国家文化暨通讯部主办，首度以法国当代艺术创作为专题的第一届法国当代艺术三年展《艺术的力量》（"La Force de l'art" ）在展区面积达七千平方米的明亮旷阔的巴黎大皇宫博物馆（Grand Palais）内，如火如荼地揭开了序幕。
　　　　

迷路了，
遇见了她们。：）

      现代艺术没有标准答案，每一种理解都是独到的：）。来吧，一起来，写一两句对她们的印象（可以先写在这则日志下边的评论里，然后我会贴上来。）
　　想要正面的答案，负面的答案，诙谐的答案，可爱的答案，诗意的答案，有点脾气的答案，正襟危坐的答案，有精神的答案，睡意朦胧的答案…… 哈哈，还有，还有。。。
　　 ：）谢谢参与

**答案来了，欢迎继续：

评论人：仲青 评论日期：2006-5-26 23:43
　　见伞是伞，见伞不是伞.
　　窗外细雨，把来一用？

评论人：淡若烟水 评论日期：2006-5-27 10:01
　　怎么那么有版画的味道呢?这雨是柔情的,这伞却有硬,刚的味道^

评论人：長白山 评论日期：2006-5-27 10:14
　　聚伞（散）两依依...

评论人：rajikaad 评论日期：2006-5-27 17:58
　　去年今日此门中，小伞桃花相映红；
　　小伞不知何处去，桃花依旧笑春风。

     “我对光的感知是如此地强烈而又与众不同，几近着迷。它迫使我不停地摆弄试验光的反射及艺术。”——Ingo Maurer
　　
　　
　　德国设计师Ingo Maurer
　　被称为“光的诗人”和“光的雕塑家”，是公认的当今世界上最富有创意、最优秀的灯具设计大师。
　　他迷恋光，他对光充满着无比的热情，他认为爱迪生发明的灯泡是一个“科技与诗歌完美结合”的杰作。当其他设计师醉心于灯的外观装饰，他却悖径而驰，褪去这些装饰，赤裸地回到原点。
　　他的作品打破了机能与艺术的界限，被艺术家、评论家们称为“令人惊骇震撼的、让人眼花缭乱的、极具诗意的。”
　　
　　这个作品，叫做： 中国画 （Tableaux chinois ,1989-2006)
　　"Chaque moment est original " （每一刻都是原创！）
　　
　　 鱼戏，影动，不断恍惚变幻的光影，写满梦境般玄妙的诗意。 ：）
　　 与众不同的美学思维，让创意可以如此天马行空！ ：）

      林花谢了春红，那么落叶呢？
　　　　　　
　　在展览的入口处，第一眼见到这个巨大的黑钢雕刻纹样的动态雕塑装置的时候，心里就有一个小小的啼笑皆非的念头冒上来：这一定是谁，受着童心的好奇的驱使，不顾一切地把某一个正在记录时间的手表里的所有的零件都拆卸出来，然后又这般努力地把一切拉长、扯宽、组装，再放大……把那些原本微小得极难掌握的运动着的组成，贪心地放大到可以承载如此占据视觉感官的尺寸张力，从传统雕塑的意义上来说，已经完全成功地实现了其对空间的捕捉和占有的初衷了。：）
　　—— 这般带着孩子似的淘气的欢喜，去解读，这整个装置也就是意象了。：）
　　　　　　
　　当然，同样是意象，让我想起达利的那块超现实主义的手表：本是温热的绵绵塌塌于任一处便能入睡的精神瘫软、醉眼醺然的女子的模样，却偏偏用色彩摆出最矛盾的冷峻的姿势。
　　而这一个立体具象、稳实硬朗的工业时代的装置，呈现出来的显然是另一种矛盾：是最真实形态的“形”与“神”，他用坚定的硬线条的机械和传动来传达精神层面的意象，是一种逻辑上可以自然推理出来的矛盾，不费神，却一样美妙。
　　　　　　
　　我退到远远地，又凑到近处用眼睛热切地抚摩着由机械转动而不断变化产生的每一处细节的造型结构的形式美感，沿着装置的这一端，漫到另一端，耳边是“咯吱咯吱”的马达带着轮轴和线圈走动的声音，末了，却突然瞥见在这装置顶端的一个角落，有一片灰白色的小小的意态安详的叶子，仰着她小小的脸，在张扬的黑白背景上，像是悄无声息地潜着的，那么微弱，那么不起眼，甚至很容易被漠视被忽略掉。
　　叶柄处装饰着弧线，这是一片正在飘落的叶子。
　　心里一愣，赶紧去旁边找作品标签，上边写着：《一片落叶的安魂曲》（ Requiem pour une feuille morte）1967, 作者是： Jean Tinguely （1925- 1991）。　　
　　——心一下明白过来。
　　　　
　　这是一曲用机械谱写就的诗篇。
　　　　　　
　　回头来再看这片枯叶和整个宏伟宽阔的雕塑装置时，眼睛润湿了：那是一片叶子的一生了，那被Tinguely用钢片雕刻和勾勒出来，不断运动的这一个黑白的华章，就是这片落叶的具象化了的灵魂，宽阔、独立而又丰满。
　　　　　　
　　原来刚才，我的初读，是一次肤浅又不得要领的误读。
　　原来精神世界里难以揣摩的无形无声的片断，也是可以如此立体清晰具象存在的。
　　原来那些凝重的机械构成也可以成为那些弦弦线线上极具张力的感性音符，可以挽留，可以相认。
　　　　　　
　　可以这样穿梭在代表生命的速度里，久久长长地一字一句清清楚楚地唱。
　　　　　　
　　一曲安魂，况且这是史上最形象最壮观最特别的一曲，落叶应该无憾，含笑，阅尽世间春色，而后一寸寸淡出视线。
　　　　　　
　　感动，为一枚小小的叶子。
　　　　　　
　　　　
　　关于艺术家Jean Tinguely的补充:　　
　　　　　　*瑞士艺术家Jean Tinguely （1925- 1991）是20世纪下半期世界最著名的艺术家之一，在蓬皮杜中心侧旁和Saint-Merri教堂（Eglise Saint-Merri）之间的广场上，有一座色彩丰富的喷水池﹝“La fontaine Stravinsky ”﹞，是由Jean Tinguely和Niki de saint Phalle这对情逾三十多年的搭档共同为巴黎都市景观增添了一则用机械和水创造的艺术传奇。这座喷水池以音乐家Stravinsky 为主题，Jean Tinguely负责动态科技的黑钢雕刻，Niki de Saint-Phalle以她著名的多彩、夸张的立体雕塑作品相辅装饰而成。于1983年3月落成，在前卫的蓬皮杜与古典的Saint-Merri教堂之间，这些形状怪异，色彩鲜艳的活动雕塑，加上肆无忌惮的水柱，或喷或洒，生动展示了一幕幕音乐家Stravinsky音乐创作生涯中的许多主题：夜莺、蛇、爱情、死亡、生命……。