从T3电车起程的最西端开始一场艺术漫步。
　　
　　在塞纳河以西，视野旷阔的加西哥里亚诺桥（pont du Garigliano）上，有一座开放的鲜花般的大型雕塑，这是两位当代名家：法国观念艺术家索菲•卡而（Sophie Calle）和美国建筑师法兰克•盖瑞（Frank O.Gehry），联手合作的作品《电话》（Le téléphone）。里边挂着的那部电话机，没有数字按键，承担不了普通公用电话的职能，但是每周说不定什么时间，电话铃声就会响起，邀请路人驻足摘下听筒，与知名的女艺术家Sophie Calle对话。电话的这端是未知的随机的路人，那一端是艺术家本人在娓娓述来一些故事，真实的，或是虚构的，在这一个公共空间里投掷出一些个人内心的东西。以期通过这样巧妙的互动游戏方式，来构建另一种类型的“活的雕塑”。 Sophie Calle承诺每周会拨很多次电话到这儿，我好奇于她的故事，特意跑进去，电话铃声却没有响，只饶有趣味地阅读亭子内壁被路人写满的感叹，其中大声疾呼的反对者众多，忠贞爱慕的支持者也多，也有与我一般特意来这儿，却没能收到电话的艺术家的fans，满篇满篇地书写着遗憾。

      周而复始的两点一线，从家到工作地点，再从工作地点回到家，这样日复一日令人生厌的相似步伐，这样充耳不闻世界的生活模式，有时候不免让人心生困惑：我们心底充满着的与外部的美的世界建立联络、对话的渴望，和仅有的简单准确的两点一线，像是这个时代的一个寓言，让我们在这个城市里生活多久，就离开多久。
　　该怎样来突破现实的简单封锁，为精神生活寻找一些出口？

      尽管看展览时，我极冲动地在笔记本上写：“这些令人吃惊的组合作品迎面风暴一般地袭来，不仅侵占你的空间，而且直截强制侵入你的视觉，是什么在折磨着你的眼睛，困惑着你？组合在其上的符号形象生涩难懂还不是最主要的，倍感艰辛的是这几乎是一种视觉习惯和某些隐匿于心底的传统在此被生生地“撕碎”和“断裂”的困惑。”，但是说实话，我不是很喜欢他的这些“combine”作品，这种拒绝源自我的内心，倒不是因为从理性角度来分析其作品本源，就是简单的毕加索的“拼贴”和杜尚的“现成物”相加，而是那些动物标本，无论是公鸡标本还是鸟的标本，都无一例外地带着空索索的败絮的感觉，让我害怕，不敢接近、不忍目睹。那个著名的由山羊、轮胎和画组成的作品monogram孤然地立于巨大的玻璃柜中，一旁标注着：遗憾的是山羊标本的一侧下颌和颈部已经不可避免地遭到损害。——当然，这些也许仅仅是我心生的感觉，同他的艺术无关。
　　
　　相对而言，我更感兴趣于他的老师约瑟夫•阿尔巴斯(Josef Albers)的教学法。
　　罗伯特•劳森伯格( Robert Rauschenberg )曾经于1948年进入美国著名的北加州黑山学院，师从约瑟夫•阿尔巴斯(Josef Albers)。劳森伯格这样说到Josef Albers：他是我曾经遇到的最好的老师，他所教的是这个视觉世界的总合。他没有教你们去“学”艺术，他感兴趣的是你的“看”的方式，约瑟夫•阿尔巴斯（Josef Albers, 1888～1976）是德国鲍奥斯学派(Bauhaus）最有影响力的大师之一，在1930-1940年间，他让美国艺术教育发生了巨大的变革。在他的课上，学生分析不同材料的物质性：稻草、瓦楞纸板、报纸的撕开断口处、砖块、棉花、有色纸，这些都是构思作品所必须了解认识的。 Albers也在他的练习中强调使用的不同材料之间关系的重要性，他断言“两个组成部分的组合，应该产生多于这些构件的总合，另外，结果应该生成至少一种的特别关系。”。
　　——：）我们可以把这句话通俗化，简单地理解，这句话也就是说：1+1绝对不会为了仅仅进行单纯的物理堆积，仍旧等于2，这是一个关于1+1的组合整体至少应该产生结果大于等于3的艺术逻辑思维。
　 “ combinaison ”(组合) 这个词也曾经是黑山学院的教学词汇中的一个关键词之一。

      他的作品说到底其实就是一个又一个的“真实的谎言”，看他的作品，就无法不去揣测和猜度作品背后的真实。而愈是好奇，愈是猜度，就愈被深深吸入他刻意营造的无边的神话漩涡。
　　　　
　　一直以来，Philippe Ramette在我心里就是一个英雄，他是符号化的：总是西装革履地生存在现实与荒谬的边缘。
　　他以一种最不同寻常的方式出现作品中，来颠覆你的想象力，挑战你的思维极限。
　　他能像风筝一样地飘在空中；可以安然地抽着烟把双脚搁置在办公桌上，而身体却悬浮着；他不需要任何氧气帮助装置，能在海底以自然状态停歇、行走；可以在峰回路转处奇迹一般地迷路。他自由地无拘无束地徜徉在他杜撰的世界里，像是一个谜一般的英雄，有着超越自然的能力，不需要呼吸，不需要忍受丝毫的失重和地心引力，与一切大自然法则抗衡着。
　　　　　　
　　

       我想，泰戈尔的句子“天空没有翅膀的痕迹，而我已经掠过”里的那片天空，一定不是克莱因签了名的蓝天。
　　
　　上次稀里糊涂地错过了克莱因的单调交响曲，后悔不已；这一回设了闹钟，嘿嘿。：）下午三点，重现克莱因的空气静力雕塑。
　　
　　蓬皮杜中心前人山人海，工作人员发放给大家是：克莱因蓝气球、一片透明的蓝“眼镜”和一句话“La vie en bleu”(蓝色人生)。 ：）
　　
　　一段好玩的小插曲：忙着拍照片，加上心底也确实有些舍不得这绕指的蓝，结果拖延了放飞手里的气球，旁边有个孩子着急得，一再提醒我“快快快，放掉啊，是时间了，大家都已经放了啊”，在他的监督下，我的蓝，起飞。：）
　　
　　不写了，看图吧。：）谢谢LH提供的video.:)

      看他的展览，却愈来愈伤感。
　　写完这篇长长的文章，跟Nyny说 其实看完展览之后，心里最大的体会是为他伤感不已，真是从来没有过这样的感觉。所以总想在结尾处添上几句，却反反复复地怎么都写不好，算了，还是保持冷静吧。
　　　
接近克莱因：“躯体、色彩、非物质”
文/ 澹如
　　
　　“我的画只是我的艺术留下的灰骸。”伊夫•克莱因（Yves Klein）一直这样定义他的作品。
　　这位谜一般的20世纪下半叶最富有传奇色彩的天才画家及其作品，于2006年10月5日至2007年2月5日重返巴黎蓬皮杜中心。精彩盛大的回顾展“克莱因，躯体、色彩、非物质”( Yves Klein ，Corps、Couleur、Immateriel ) 展出了艺术家的120多件绘画和雕塑作品，160多件绘图和档案文件以及数量众多的那个时代的影片、有声作品和照片等，以惊人的完整收藏提供了一个难得的全面重读伊夫•克莱因的机会。
　　
　　时间回溯到上个世纪的五六十年代，以架上油画为代表的传统艺术行至凋谢，诸多的前卫先锋流派纷纷兴起，艺术开始呈现一种极端丰富的多层面、多元性的探索路线，从制作的过程方式、造型形态的探究到物质媒介语言的开发，从空间场域的扩展到身体的参与，各种各样观念的介入让艺术的创造和表达显露了其无穷无尽的可能性。其中，克莱因也是那个年代耀眼的主角之一，这位最前卫最神秘的艺术家是新现实主义(Nouveau Réalisme)的倡导者，有着无限的活力和救世主式的独创开拓精神，却意外地在1962年34岁时因心脏病突发离世。然而，从1955年到1962年，绘画和艺术表现已经在这个杰出先行者的实践引领之下，极大地超越了绘画的领域范畴。克莱因的这场狂热的仅仅持续了7年的神话般的艺术生涯，是任何一个时代都不能复制的，极其短暂，却是艺术史上的一阙旷世绝唱。
　　

　　非物质：唯其空空，最富力量
　　
　　 1957年起，克莱因着手进行艺术的“非物质面”研究。1958年4月28日，克莱因在巴黎伊丽丝•克莱尔画廊(Galerie Iris Clert )举办了实验装置展“空”，展出的内容就是“空”， 让人震惊的是：克莱因把腾空了所有东西的画廊空间当作他的一件作品，来体现空与无，除了刷成蓝色的橱窗和白色的墙之外，空无一物。克莱因的这个展览与1953年法国文学家罗兰•巴特(Roland Barthes) 在他的《写作的零度》中提出的著名观念“空白写作”，有着殊途同归的效果，让读者的“文本期待”落空，它只是照原样去表现现实，是非理性的直陈，只是呈现，没有判断，也不加总结，艺术家的介入看上去微乎其微，所需要的只是观众在期待落空之后内心极端的触动和某些由此得来的近乎神意的启示。存在主义大师阿尔伯特•加缪（Albert Camus）在参观了后，顺手写下了一句日后传诵一时的禅宗般的名言：“唯其空空，最富力量”。